Franz Schubert als Außenseiter mit Syphilis, Mozart als Wunderkind, Tschaikowsky als einsamer Melancholiker: Biopics über Komponist:innen erzählen exemplarische Geschichten über berühmte Persönlichkeiten - und stehen seit Jahren in der Gunst des Publikums. Aber warum sehen wir - meist männlichen - Komponisten so gerne dabei zu, wie sie ihre Musik erschaffen? Die Kunst dieses Genres besteht darin, Lebensgeschichten mit filmischen Mitteln attraktiv für eine bestimmte Epoche zu erzählen, wissen Kunsthistoriker Werner Telesko und Musikwissenschaftler Stefan Schmid vom Institut für die Erforschung der Habsburgermonarchie und des Balkanraumes der Österreichischen Akademie der Wissenschaften (ÖAW) und dem Austrian Centre for Digital Humanities der ÖAW.

Die beiden ÖAW-Forscher haben in ihrem neuen Buch „Kreative Ekstase. Komponisten im filmischen Melodram“ genau dieses Themenfeld in den Fokus genommen, um dramaturgische und inhaltliche Muster in über 80 Filmen zu analysieren. Im Gespräch schildern sie, was sie dabei über die Darstellung musikalischer Genies und deren innerer Kämpfe herausfanden.

Wahrheit und Fiktion

Filmische Melodramen über Komponist:innen sind eine Gratwanderung zwischen Wahrheit und Fiktion. Was hat Sie daran interessiert?

Unsere Grundfrage war: Was fasziniert uns an schöpferischen Menschen?

Stefan Schmidl: Der Ausgangspunkt war ein größeres Forschungsprojekt zu Film-Melodramen der 1950er-Jahre. Der vor allem männliche Komponistenmythos ist hier stark vertreten und beinhaltet viele Implikationen, die bis in die heutige Zeit wirksam sind. So wurden erstaunlicherweise auch in den letzten Jahren zahlreiche Biopics produziert. Es gibt also so etwas wie ein Bedürfnis der Gesellschaft für diese Art von Fiktionalisierung. Unsere Grundfrage war: Was fasziniert uns an schöpferischen Menschen?

Werner Telesko: Diese Filme haben in der Regel kein Interesse an wissenschaftlicher oder biografischer Korrektheit. Behandelt werden bestimmten Typenbildungen, etwa das musikalische Wunderkind, das Musikgenies von anderen Schaffenden deutlich unterscheidet. Bildende Künstler haben dagegen den Nachteil, dass es weniger attraktive Momente der Visualisierung des Schöpferischen gibt (Atelier, Malen in der freien Natur). Es gibt zwar berühmte Filme über Maler wie Vincent van Gogh (1956, Kirk Douglas), aber diese beziehen ihr Attraktionspotenzial hauptsächlich aus der außergewöhnlichen Biografie der Hauptfigur.

Werden durch die Musik innere Gefühlszustände wahrnehmbar?

Schmidl: Das ist der Kern der Sache. Man geht dabei von der alten Idee aus, dass sich in der Musik das vermeintlich Innere der Künstler unbewusst manifestiert. Die Musik versetzt uns demnach in eine biografische Grundstimmung, man erfährt durch die erzählerische Filmmusik etwas über das Innenleben der Schöpfer und glaubt zu verstehen, was sie antreibt. Wobei man hier ergänzen muss, dass in Biopics die Werke großer Komponisten kaum in ihrer originalen Gestalt, sondern in Arrangements erklingen.

Telesko:  Auch die Musikauswahl ist bezeichnend, so kommt kaum Kammermusik vor, dafür aber vor allem Opern und Symphonien. In einer Frage spiegelt sich dabei ein zentraler Punkt: Erklärt das Werk den Schöpfer? Oder die Biografie des Schöpfers dessen Werk? In welchem Verhältnis steht nun die Biografie zum Schaffen? Sind es konkrete Umstände, das Liebesleben, die Familie und so weiter, die zu bestimmten Werken führen? Oder ist das Schöpfertum so dominant, dass sich daraus schlüssig das Leben erklärt? Dies ist in der Regel sehr ambivalent und ein zentrales Thema in den entsprechenden Filmen.

Ungefähr 95 Prozent der Filme funktionieren nach einem ähnlichen Schema.

Gibt es inhaltliche Gemeinsamkeiten in den über 80 Filmen, die für das Buch gesichtet wurden?

Schmidl: Ungefähr 95 Prozent der Filme funktionieren nach einem ähnlichen Schema. Es ist dabei egal, ob es sich um einen deutschen, italienischen, amerikanischen oder sowjetischen Film handelt. Zentral sind hier pseudobiografische Muster und gängige Dramaturgien: Kindheit, Erwachsenenalter, Krise und Verklärung, oft auch mit einem Rückblick, wenn der alte Künstler in einer Rahmenhandlung sein Leben rekapituliert. Somit gibt es nur wenige Versuche, eigene Wege zu gehen: Ken Russells exzentrischer Tschaikowsky-Film „The Music Lovers“ (1971) zählt ohne Zweifel dazu; er hat damals auch zu zahlreichen Kontroversen geführt.

Auch Fritz Lehners Franz Schubert-Verfilmung „Mit meinen heißen Tränen“ (1986) hat gängige Biedermeier-Bilder aufgebrochen.

Schmidl: Es gab eine generelle Tendenz in den 1970er- und frühen 1980er-Jahren zu sagen: Schauen wir uns die Welt an, wie sie wirklich ist. Auch in Kinder- und Schulbüchern gab es Versuche, die Sicht auf eine heile Welt zu vermeiden. Dazu zählt auch Lehner, der mit seinem Film eine prägende Revision des kitschigen Schubert-Bildes vorgenommen hat und dabei zugleich in ein anderes Extrem verfallen ist.

Telesko: Man hat hier versucht, den Schaffensprozess als solchen stärker in den Vordergrund zu rücken und die harte Alltäglichkeit des Lebens darzustellen. Viele ältere Komponisten-Filme zeigen vor allem die Auftritte, die Öffentlichkeit und das Außenbild von Kunstschaffenden. Lehner rückte bei Schubert nun den Arbeitsprozess in den Mittelpunkt: So sah man plötzlich das Kratzen der Feder auf dem Papier und wurde der Stille der Inspiration gewahr.

Schmidl: Ein interessanter Punkt ist hier auch die Syphilis-Erkrankung Schuberts, die in diesem Film thematisiert wird. Ähnlich wie in Russells Tschaikowsky-Film, der offen die Homosexualität des Komponisten thematisiert. Zuvor hatte man zumeist nur diffuse Einsamkeitsnarrative über den Komponisten gestülpt.

Wie werden Komponistinnen im Vergleich zu ihren männlichen Kollegen dargestellt?

Schmidl: Es gab schon in den 1940er-Jahren Filme über Komponistinnen wie Clara Schumann. Etwa das nationalsozialistische Melodram „Träumerei“ (1944), das vom Komponistenehepaar Robert und Clara Schumann erzählt. Es war generell charakteristisch, kreative Frauen hauptsächlich in amourösen Verstrickungen oder im Eheleben zu zeigen, also stets in einer Relation zu einem Mann. Das sehen wir etwa auch bei Alma und Gustav Mahler gut. Man stülpt demnach patriarchale Strukturen über die Erzählung, welche diese Künstlerinnen als traditionell „weiblich“ erscheinen lassen. So wird in einem Film über Alma Mahler besonders betont, dass ihre Musik sehr emotional, gefühlvoll und leidenschaftlich sei.

Historische Persönlichkeiten werden somit zum Sammelpunkt für alles, was menschliches Leben und Kreativität insgesamt auszeichnet.

Telesko: Für uns war eine zentrale Frage im Buch: Wie geht man in den Filmen mit menschlicher Kreativität um? Lässt sich diese überhaupt adäquat darstellen oder ist sie schlechthin das Ungreifbare? Das betrifft auch die wichtige Frage der Inspiration: Basiert diese primär auf Eingebung oder ist sie Teil eines harten Arbeitsprozesses? Wie setzen sich die entsprechenden Filme damit auseinander? Die Biografie ist ja traditionell die Königsdisziplin der Geschichtswissenschaft. An einer interessanten Figur lassen sich praktisch alle relevanten Aspekte demonstrieren, und opulente Biografien punkten nach wie vor auf jeder Buchmesse. Historische Persönlichkeiten werden somit zum Sammelpunkt für alles, was menschliches Leben und Kreativität insgesamt auszeichnet. Dies ist wahrscheinlich auch der Hauptgrund, warum Komponisten-Filme nach wie vor boomen.

Schmidl: Der Spielfilm befindet sich in den letzten Jahren in einer permanenten Krise, aber Biopics werden vermehrt produziert. Womöglich kann sich eine zunehmend narzisstische Gesellschaft im Spiegel von berühmten und kreativen Persönlichkeiten perfekt wiederfinden.